«Να ξέρετε πως αυτό που ακούτε

είναι σφύριγμα τρένου»

 του Θανάση Τριαρίδη

                   

Επιστρέφει στο Θέατρο OLVIO

                                     3η σεζόν 

Κάθε Τετάρτη στις 21:00

Νέα παράταση παραστάσεων μέχρι 1η Απριλίου

 

Η παράσταση που εδώ και τρία χρόνια μιλάει για την πολιτική εξόντωσης των μεταναστών.

Μετά τη μεγάλη επιτυχία της παράστασης και την βράβευση του Θανάση Τριαρίδη, την 1η Δεκεμβρίου 2025, με το Βραβείο «Κάρολος Κουν» για το έργο του, ανακοινώνεται νέα παράταση παραστάσεων στο Θέατρο OLVIO.

Η παράσταση, σε σκηνοθεσία των Νίκου Μαρνά και Γιώργου Γκιόκα, απέσπασε εξαιρετικά διθυραμβικές κριτικές και ξεχώρισε για την υψηλή αισθητική της, καθώς και για τη δυναμική ερμηνευτική της προσέγγιση. Οι δύο σκηνοθέτες, σε συνεργασία με τους Λεωνίδα Μπακάλη και Νίκο Στεργιώτη, συνέθεσαν ένα συμπαγές και δυστοπικό θεατρικό σύμπαν, το οποίο προκάλεσε έντονη συγκίνηση τόσο στο κοινό όσο και στους κριτικούς.

 

Δημοσιευμένο τον Ιούνιο του 2023, λίγες ημέρες μετά το πολύνεκρο ναυάγιο της Πύλου, το έργο «Να ξέρετε πως αυτό που ακούτε είναι σφύριγμα τρένου» του Θανάση Τριαρίδη παρουσιάζεται για 3η σεζόν στο Θέατρο OLVIO.

Αξίζει να σημειωθεί πως ο Θανάσης Τριαρίδης, ένας από τους πολυπαιγμένους ελληνόγλωσσους θεατρικούς συγγραφείς του καιρού μας, εδώ και τρία χρόνια έχει αφιερώσει την πένα του (με περισσότερα από έξι έργα) στον αγώνα  ενάντια στην κρατική πολιτική εξόντωσης των μεταναστών που ολοένα κλιμακώνεται.

Έγραψαν για την παράσταση:

«Η  παράσταση που συνυπογράφουν σκηνοθετικά ο Νίκος Μαρνάς και ο Γιώργος Γκιόκας βασίζεται σε αυτή την ωραία πρώτη ύλη και την αναβαθμίζει. Μάλιστα, η δουλειά τους εξαλείφει τα ελάχιστα σημεία όπου το έργο δεν αποφεύγει το άμεσο κήρυγμα. Συνολικά, έχουμε να κάνουμε με ένα αξιοσημείωτο δείγμα γραφής, το οποίο προσδίδει στην ιστορία περαιτέρω εφιαλτικές διαστάσεις, χάρη στην αισθητική της.»

Τώνια Καράογλου, Αθηνόραμα

«Αξίζει να δει κανείς αυτήν την παράσταση μόνο και μόνο για τον καταιγιστικό ρυθμό της, τον καλοκουρδισμένο της θίασο και την πρωτοτυπία της σκηνοθεσίας. Γενικώς, ο έπαινος είναι το μόνο που αξίζει σ’ αυτήν την ομάδα νέων ηθοποιών (αποφοίτησαν μόλις το 2022 από τη σχολή του Θεάτρου Τέχνης), που εμπνεύστηκαν από το ειλικρινέστατο και απροκάλυπτα καταγγελτικό κείμενο του κύριου Τριαρίδη για να σκαρώσουν μια παράσταση υψηλών προδιαγραφών.»

Νίκος Ξένιος, bookpress

«Είναι νέοι ηθοποιοί οι Νίκος Στεργιώτης, Λεωνίδας Μπακάλης, Νίκος Μαρνάς και Γιώργος Γκιόκας- οι δύο τελευταίοι συνυπογράφουν και τη σκηνοθεσία. Κι όμως, παίζουν άψογα, χωρίς σε τίποτα να θυμίζουν σχολή -σπάνιο!- και χωρίς να πέφτουν σε καμιά από τις παγίδες που κατατρύχουν τους ηθοποιούς στο ξεκίνημά τους. Πρέπει να τους δείτε για να το πιστέψετε -και να τους απολαύσετε!»

Γιώργος Βουδικλάρης

«Οι πρωτοεμφανιζόμενοι σκηνοθέτες θα μπορούσαν να κινηθούν εκ του ασφαλούς πάνω στις γραμμές του κειμένου του Θανάση Τριαρίδη, ωστόσο τόλμησαν να καταθέσουν τη δική τους πρόταση καταφέρνοντας να αποφύγουν το στείρο παιχνίδι εντυπώσεων και να αναδείξουν τις πολλαπλές αναγνώσεις του μέσα από μια ρυθμική χορογραφία φωτισμών, σκηνικών, αντικειμένων όπως τα πορτοκάλια και κυρίως ερμηνειών»

Γεωργία Καρκάνη, Marie Claire

«Ο Θανάσης Τριαρίδης, παρέδωσε ένα αριστοτεχνικά γραμμένο θεατρικό έργο, με λεκτική οικονομία, ιδιαίτερα συμβολικά και υπαινικτικά σημεία και ευθύβολο λόγο. Ωστόσο χωρίς την πρωτότυπη σκηνοθεσία και τις πραγματικά εντυπωσιακά καλές ερμηνείες των ηθοποιών, το αποτέλεσμα δεν θα ήταν το ίδιο»

Φωτεινή Λαμπρίδη, tvxs

«Η  παράσταση που συνυπογράφουν σκηνοθετικά ο Νίκος Μαρνάς και ο Γιώργος Γκιόκας βασίζεται σε αυτή την ωραία πρώτη ύλη και την αναβαθμίζει. Μάλιστα, η δουλειά τους εξαλείφει τα ελάχιστα σημεία όπου το έργο δεν αποφεύγει το άμεσο κήρυγμα. Συνολικά, έχουμε να κάνουμε με ένα αξιοσημείωτο δείγμα γραφής, το οποίο προσδίδει στην ιστορία περαιτέρω εφιαλτικές διαστάσεις, χάρη στην αισθητική της».

Δημήτρης Φιλελές, Fractal

«Η σκηνοθετική γεωμετρία με σαφήνεια, ένταση και ρυθμό, βρίσκει τη βάση της, με απότοκο και το συγγραφικό πόνημα να αναδεικνύει την ουσία του, αλλά κυρίως την πολιτική διάσταση της θεατρικής πράξης»

Ζωή Τόλη, Enetpress

«Το θέατρο είναι μοίρασμα. Αν καταφέρει να σε προβληματίσει έστω και λίγο, τότε κάτι καλό γίνεται. Είδα το «Να ξέρετε πως αυτό που ακούτε είναι σφύριγμα τρένου» από νέα ταλαντούχα παιδιά, που έκαναν τον λόγο του Τριαρίδη πράξη, και ήταν ανέλπιστα καλοί!»

Ντίνα Καρρά, onlytheater

«Μην χάσετε την ευκαιρία να δείτε πολύ καλό θέατρο!»

Νάντια Παπαπάνου, boemradio.gr

«Το σπουδαίο έργο του Θανάση Τριαρίδη για το πολύνεκρο ναυάγιο της Πύλου γίνεται δυνατή παράσταση στα χέρια δύο υποσχόμενων σκηνοθετών.»

Ηρώ Κουνάδη, in2life

«Η χημεία μεταξύ των ηθοποιών είναι φανερή, ιδιαίτερα στις στιγμές συγκρούσεων και αποκαλύψεων. Το έργο δεν τους ζητά να υποδυθούν απλώς χαρακτήρες, αλλά να ενσαρκώσουν καταστάσεις, να γίνουν φωνές ενός ηθικού και πολιτικού λαβύρινθου. Κι αυτοί, με ακρίβεια και αλήθεια, ανταποκρίνονται»

Κάτια Σωτηρίου, my theatro

«Τέσσερις νέοι ηθοποιοί φέρνουν σε πέρας μια δύσκολη θεματικά παράσταση, που την κουβαλάς για καιρό»

Μαρία Πασλή, theatro.gr

«Η παράσταση είναι γεμάτη συναίσθημα, γεμάτη αλήθειες, αλήθειες που πολλές φορές δεν μπορούμε να αντιληφθούμε, γιατί κρύβονται πίσω από τα φτιαγμένα ψέματα της καθημερινότητας.Η ατμόσφαιρα της σκηνής σε κατακλύζει. Κάθε σιωπή, κάθε βλέμμα, κάθε κίνηση, έχουν βάρος. Δεν είναι απλώς μια «ωραία» παράσταση με την έννοια του ευχάριστου· είναι μια εμπειρία που σε βάζει μέσα στο ίδιο το έργο, σε κάνει να νιώσεις, να προβληματιστείς, να δεις τα  πράγματα που ίσως απέφευγες να κοιτάξεις»

Θεοδώρα Ράπο, keyshmach

«Δεν το συζητώ ότι πάτε και βλέπετε αυτή την παράσταση χθες κιόλας»

Κώστας Κούλης, keysmash.gr

«Η πολιτική γραφή του Θανάση Τριαρίδη καταπιάνεται με το «εθνικό αφήγημα» και το αποδομεί, φανερώνει τις αντιφάσεις, τα ιστορικά ψεύδη, τη σοβαροφάνειά του».

Στρατής Ηλιάκης, Εφημερίδα των Συντακτών

 

Λίγα λόγια για την υπόθεση:

Σε ένα όχι και τόσο μακρινό, αλλά οικεία ζοφερό μέλλον, ένας νέος υπάλληλος καταφτάνει στο περιβόητο γραφείο 20/4 της κρατικής υπηρεσίας, ώστε να αναλάβει καθήκοντα. Η γνωριμία του με τον παλιό υπάλληλο της υπηρεσίας θα αποδειχθεί κομβική και για τους δύο με τη σύντομη συνύπαρξη τους να είναι εκρηκτική. Τον ρόλο του διαμεσολαβητή καλείται να πάρει ο διευθυντής της υπηρεσίας με το ιδιαίτερο ταπεραμέντο του. Η παρουσία του μυστηριώδους καθαριστή με την αντισφυξιογόνο μάσκα εντείνει την αγωνία. Η εξέλιξη του έργου απρόβλεπτη με απότομες εναλλαγές από κωμικές καταστάσεις σε έντονα δραματικές οδηγεί στην τελική αλήθεια.

 

Συντελεστές

Κείμενο: Θανάσης Τριαρίδης 

Σκηνοθεσία: Νίκος Μαρνάς - Γιώργος Γκιόκας  

Σκηνικά - Κοστούμια: Ηρώ Παρδαβέλλα 

Μουσική: Οδυσσέας Τσούβαλης 

Σχεδιασμός φωτισμού: Κατερίνα Μαρία Σαλταούρα

Φωτογραφίες: Χαράλαμπος Ιωαννόπουλος

Video- trailer: Φίλιππος Μέμος 

Επικοινωνία: Γιώτα Δημητριάδη

Οπτική ταυτότητα παράστασης: Ιωάννης Τσίγκας 

Παραγωγή: Θέατρο OLVIO

 

 

Παίζουν:  Γιώργος Γκιόκας, Νίκος Μαρνάς, Λεωνίδας Μπακάλης, Νίκος Στεργιώτης

Τρέιλερ: Να ξέρετε πως αυτό που ακούτε είναι σφύριγμα τρένου - τρίτη χρονιά trailer

 

Πληροφορίες

 

Θέατρο OLVIO

Φαλαισίας 7, Αθήνα

(5’ λεπτά από τη στάση του Μετρό, Κεραμεικός)

Τηλέφωνο: 210 3414118  (ώρες εξυπηρέτησης 18:00-22:00)

 

Ημέρες παραστάσεων: Από 8 Οκτωβρίου, κάθε Τετάρτη στις 21:00 

Τιμές εισιτηρίων: 15(γενική είσοδος), 12 ευρώ (μειωμένο)

Εισιτήρια: Να ξέρετε πως αυτό που ακούτε είναι ΣΦΥΡΙΓΜΑ ΤΡΕΝΟΥ - του Θ. Τριαρίδη | Εισιτήρια online! | More.com

τηλεφωνικά στο ταμείο του θέατρου.

 

Διάρκεια: 70 λεπτά

Με ακούς; Κείμενο-Σκηνοθεσία: Μαρία Μπούρλη Πρεμιέρα: Τετάρτη, 1 Απριλίου 2026 | Σκηνή BRECHT-2510 και κάθε Τετάρτη στις 21.00

«Σε περίμενα. Με ακούς;» Δείτε το Trailer: YouTube Link   Ένας άνδρας, μια γυναίκα κι ένας έρωτας που μετατρέπεται σε θύελλα. Το έργο της Μαρίας Μπούρλη καταβυθίζεται στον σκοτεινό κόσμο της συναισθηματικής κακοποίησης και της απομόνωσης. Εκεί που ο θύτης, με στρατηγική και ύπουλα μέσα, απογυμνώνει το θύμα από την ταυτότητά του, αλλοιώνοντας την πραγματικότητα και φυλακίζοντάς το στην ομίχλη του ίδιου του του μυαλού. Όσο εκείνη βυθίζεται στην ανασφάλεια, εκείνος ανυψώνεται μέσα από την επιβολή. Μέσα από καθηλωτικούς διαλόγους και έντονη κινησιολογία, η παράσταση αναδεικνύει τον μηχανισμό της υποταγής: Τελικά, θα μπορέσει το θύμα να σπάσει τα δεσμά και να βγει στο φως;   ΣΥΝΤΕΛΕΣΤΕΣ Κείμενο - Σκηνοθεσία: Μαρία Μπούρλη Ερμηνεύουν: Γιούλη Λιτσαρδάκη, Κωνσταντίνος Κατσούγκρης Χορογραφίες: Γιούλη Λιτσαρδάκη (Χορ. 1), Μυρτώ Μαυρίδη (Χορ. 2) Μουσική Επιμέλεια: Μαρία Μπούρλη Φωτογραφίες / Αφίσα / Trailer: Ex tenebris, visualArts by Manos Ermis Γραφείο Τύπου: Le Canard Qui Parle ΠΛΗΡΟΦΟΡΙΕΣ ΠΑΡΑΣΤΑΣΗΣ Πρεμιέρα: Τετάρτη 1 Απριλίου 2026 Παραστάσεις: Κάθε Τετάρτη (εκτός Μ. Τετάρτης) στις 21.00 για 6 παραστάσεις Διάρκεια: 65 λεπτά Χώρος: Σκηνή BRECHT-2510, 3ης Σεπτεμβρίου 38, Αθήνα Τιμές Εισιτηρίων: Γενική Είσοδος: 15€, Μειωμένο (Φοιτητικό, Ανέργων, ΑμεΑ, Άνω των 65, Ατέλεια): 12€ Κρατήσεις:  6944672550, 6995369775 & στο ταμείο του θεάτρου   ­

«LINDA»
 της Penelope Skinner

 

από την Ομάδα Νάμα, σε σκηνοθεσία Ελένης Σκότη

 

Παίζουν οι ηθοποιοί:
 Μυρτώ Αλικάκη, Άλκης Κούρκουλος (επί οθόνης), Μιχάλης Μαρκάτης, Χριστίνα Μαριάνου, Ηρώ Πεκτέση,
 Γιώργος Σαββίδης, Μαριέλα Δουμπού

 

Τελευταίες Παραστάσεις έως Κυριακή 5 Απριλίου (Κυριακή των Βαΐων)

 Ημέρες & Ώρες:

Πέμπτη-Παρασκευή στις 21.15
 Σάββατο στις 18.15 & 21.15 
 Κυριακή στις 18.15

 

Μετά από συνεχόμενα sold out και τη θερμή ανταπόκριση κοινού και κριτικών για δύο σεζόν, η παράσταση LINDA της Penelope Skinner ολοκληρώνει τον κύκλο της παρουσίασής της στο θέατρο Επί Κολωνώ την Κυριακή 5 Απριλίου (Κυριακή των Βαΐων).

Τη σκηνοθεσία υπογράφει η Ελένη Σκότη. Στο ρόλο της Linda η Μυρτώ Αλικάκη. Επί σκηνής μαζί της οι ηθοποιοί: Μιχάλης Μαρκάτης, Χριστίνα Μαριάνου, Ηρώ Πεκτέση, Γιώργος Σαββίδης, Μαριέλα Δουμπού και επί οθόνης ο Άλκης Κούρκουλος.

Η «Linda» πρωτοπαρουσιάστηκε το 2015 στο Royal Court Theater του Λονδίνου και απέσπασε το βραβείο Berwin Lee ενώ επιλέχθηκε και ως υποψήφιο για το βραβείο Susan Smith Blackburn. Η παράσταση επαναλήφθηκε με επιτυχία στη Νέα Υόρκη και σε πολλές άλλες θεατρικές σκηνές της Ευρώπης και της Αμερικής.

 

Λίγα λόγια για το έργο:

«Βραβευμένη για τις δράσεις μου στην επιχείρηση χωρίς καν να έχω βγάλει πανεπιστήμιο. Μητέρα δύο παιδιών. Με έναν υπέροχο σύζυγο. Που ξέρω να αλλάζω λάστιχο, που έχω δικό μου σπίτι, που όλοι θαυμάζουν την μαγειρική μου και που μπορώ να φοράω το ίδιο νούμερο ρούχα όπως πριν από 15 χρόνια. Τα κατάφερα. Έφτασα πλέον στην κορυφή!».

Λόγια της Λίντα Γουάιλντ, μίας πετυχημένης γυναίκας, που πιστεύει ότι έχει κατακτήσει την κορυφή και ότι αυτή θα της ανήκει στο διηνεκές. Κι όμως το έργο της Skinner δεν αποτελεί ένα success story. Πρόκειται για την ιστορία της εκκωφαντικής πτώσης μιας σύγχρονης τραγικής ηρωίδας.

Η Skinner με γραφή αιχμηρή, με σατιρικό βρετανικό χιούμορ και με μια πλοκή με χαρακτηριστικά θρίλερ, δεν εστιάζει μόνο στις δυσκολίες μίας γυναίκας να πετύχει και να επιβιώσει. Στις δυσκολίες δηλαδή που ορθώνουν ο σεξισμός, τα ταμπού της ηλικίας, της ομορφιάς, της οικονομικής ανεξαρτησίας. Συνέθεσε ένα έργο που αφορά όλους όσοι προσπαθούν να ανταποκριθούν στις κοινωνικές επιταγές και να βρουν την «ευτυχία» μέσα σε μια αμείλικτη πραγματικότητα. Ένα σύμπαν όπου οι άνθρωποι αντιμετωπίζονται σαν εξαρτήματα μιας απάνθρωπης παραγωγικής διαδικασίας και όπου θα αντικατασταθούν όταν αρχίσουν να «παλιώνουν». Είναι μια κραυγή αγωνίας για τους ανθρώπους που μεγαλώνοντας γίνονται αόρατοι, χάνουν τη δύναμη της φωνής τους και συνειδητοποιούν τον χαμένο χρόνο αλλά και τη ματαιότητα της διαδρομής τους.

 

Λίγα λόγια για την συγγραφέα:

 

Η Penelope Skinner (1978), μία από τις πιο ενδιαφέρουσες φωνές της βρετανικής δραματουργίας που έχει χαρακτηριστεί από τον Τύπο ως η πιο σημαντική φεμινίστρια συγγραφέας της γενιάς της, έγινε γνωστή με το έργο της Fucked που παρουσιάστηκε το 2008 στο Φεστιβάλ του Εδιμβούργου. Στη συνέχεια τα έργα της γνώρισαν μεγάλη επιτυχία στις σκηνές του Λονδίνου και του εξωτερικού ενώ το 2011 τιμήθηκε με το βραβείο Evening Standard Award για τον πιο υποσχόμενο συγγραφέα.  Είναι επίσης διακεκριμένη σεναριογράφος.

 

Συντελεστές:
 

Μετάφραση: Γιώργος Χατζηνικολάου

Σκηνοθεσία: Ελένη Σκότη

Σκηνικά, συνεργάτης σκηνοθεσίας: Γιώργος Χατζηνικολάου

Κοστούμια: Μαρία Αναματερού

Φωτισμοί: Αντώνης Παναγιωτόπουλος

Μουσική & Sound design: Αντώνης Παπακωνσταντίνου

Φωτογραφίες: Πάτροκλος Σκαφίδας, Γιώργος Χατζηνικολάου

Βοηθοί σκηνοθέτιδος: Ελένη Μελιγκάρη, Βάλια Ιωαννίδου, Ελωρίς Αλπανίδου

Βοηθός ενδυματολόγου: Ελεωνόρα Κατσού

Σχεδιασμός οπτικής ταυτότητας: Ιωάννης Κ. Τσίγκας

Τρέιλερ παράστασης: Πάτροκλος Σκαφίδας

Social Media: Loox Media

Υπεύθυνοι επικοινωνίας παράστασης: Μαριάννα Παπάκη, Νώντας Δουζίνας

Διεύθυνση Παραγωγής: Μαρία Αναματερού

Εκτέλεση παραγωγής: Μαρία Φιλοπούλου

Παραγωγή: Ομάδα Νάμα

 

Παίζουν οι ηθοποιοί:

Μυρτώ Αλικάκη, Άλκης Κούρκουλος (επί οθόνης), Μιχάλης Μαρκάτης, Χριστίνα Μαριάνου, Ηρώ Πεκτέση, Γιώργος Σαββίδης, Μαριέλα Δουμπού

 

*Στην παράσταση ακούγεται η φωνή της Ελένης Μελιγκάρη

 

Έγραψαν για την παράσταση:

 

"Η ταλαντούχα Ελένη Σκότη παραδίδει για μία ακόμη φορά ένα ουσιαστικό μάθημα σκηνοθεσίας. Διεισδύει με τον σκηνοθετικό φακό της στο δραματικό πεδίο του κοινωνικού ρεαλισμού και δημιουργεί μια παράσταση με δραματική ένταση, εξαιρετικό ρυθμό, γρήγορες εναλλαγές και ουσιαστικές ερμηνείες". [Ρέα Γρηγορίου, Η Καθημερινή]

 

«Η Μυρτώ Αλικάκη σηκώνει στους ώμους της τη «Linda» της Πενέλοπε Σκίνερ, προσφέροντας μια ερμηνεία ακρίβειας και βάθους, που καθιστά την παράσταση του Επί Κολωνώ μια ουσιαστική και συγκινητική θεατρική πρόταση». [Μαρία Κρύου, Αθηνόραμα]

 

«Η σκηνοθεσία της Ελένης Σκότη, πιστή στην εξυπηρέτηση ενός ρεαλισμού που προετοιμάζει τη ζύμωση των κλιμακώσεων από τις λέξεις, τις παύσεις, τις σιωπές και τις αμυχές των εκφράσεων και κινήσεων και μεταβολίζει την οικειότητα της επιφάνειας σε ψυχικά βάθη, επιβάλλεται ως μια υπεραξία που προσδίδει έρμα στο πόνημα. Εξίσου, εξυπηρετική και η σκηνογραφία του Γιώργου Χατζηνικολάου που, με την υποβοήθηση των φωτισμών του Αντώνη Παναγιωτόπουλου, δημιουργεί επάλληλα σκηνικά πλάνα θέασης των πτυχών της πραγματικότητας». [Γιώργος Παπαγιαννάκης, Culturenow.gr]

 

«Πριν λίγες ημέρες βρέθηκα στο Επί Κολωνώ, για να παρακολουθήσω την πολυσυζητημένη παράσταση «Λίντα», από την ομάδα Νάμα. Η Ελένη Σκότη σκηνοθέτησε το εξαιρετικό έργο της Penelope Skinner, που αποτυπώνει τον ηλικιακό ρατσισμό και σεξισμό που βιώνουν οι γυναίκες, τόσο στην προσωπική όσο και στην επαγγελματική τους ζωή, αλλά και την άρνηση της αποδοχής του γήρατος. Αυτό το έργο, βέβαια, είναι πολλά περισσότερα. […] Κάνε τον κόπο και βρες την ημέρα που η παράσταση δεν είναι sold out για να τη δεις». [Δήμητρα Πραντάλου, Jenny.gr]

 

«Το πέρασμα της κεντρικής ηρωίδας από την καλπάζουσα αυτοπεποίθηση στην προοδευτική της καταρράκωση η Ελένη Σκότη το εικονογραφεί πληρέστατα σε δύο συναρτώμενα μεταξύ τους επίπεδα, που σκηνογραφεί με την ευφυέστατη ανάμειξη ρεαλιστικών στοιχείων και συμβολικών παραμέτρων ο Γιώργος Χατζηνικολάου». [Ηρακλής Λογοθέτης, Documento]

 

«Στη μικρή σκηνή του Επί Κολωνώ ο Γιώργος Χατζηνικολάου προτείνει μια ενδιαφέρουσα σκηνογραφική λύση που αναπαριστά «μπροστά και πίσω» πραγματικότητες με τα διαρκώς εναλλασσόμενα ταμπλό βιβάν – μια συνθήκη που έχει αναδειχθεί και από τη φωτιστική εργασία του Αντώνη Παναγιωτόπουλου. Προσεγμένα και ταιριαστά με το αυστηρό γραφειακό περιβάλλον τα κοστούμια της Μαρίας Αναματερού». [Στέλλα Χαραμή, Monopoli.gr]

 

«Η σκηνοθεσία της Ελένης Σκότη, χωρίς μελοδραματισμούς, αφήνει τη βία του συστήματος να φανεί μέσα από τη σιωπή και την ακινησία. Έτσι, το LINDA δεν λειτουργεί απλώς ως ψυχολογικό δράμα αλλά ως πολιτικό σχόλιο για έναν κόσμο εργασίας και σχέσεων που μιλά για πρόοδο, ενώ στην πράξη αποσύρει αθόρυβα όσους και κυρίως όσες έπαψαν να είναι «χρήσιμοι. Mια σκηνοθεσία κινηματογραφική και ατμοσφαιρική, με καθαρή, ρεαλιστική εστίαση στα πρόσωπα. […]Η Μυρτώ Αλικάκη σκιαγραφεί με ακρίβεια μια γυναίκα που έχει μάθει να ορίζεται αποκλειστικά από την απόδοσή της και γι’ αυτό αδυνατεί να διαχειριστεί την ήττα. Η ερμηνεία της αποφεύγει τις εξάρσεις και στηρίζεται σε μια σταδιακή, εσωτερική κατάρρευση. Το σώμα, το βλέμμα και ο λόγος της μαρτυρούν έναν άνθρωπο που συνειδητοποιεί πως, όταν πάψει να είναι χρήσιμος, γίνεται αόρατος. […]Τo «LINDA» είναι τελικά ένα έργο για όλους, ανεξαρτήτως φύλου και ηλικίας. Μια καθαρή, πολιτική υπενθύμιση της αναλγησίας ενός κόσμου που δεν συγχωρεί τη φθορά, την ατέλεια και το πέρασμα του χρόνου, μέχρι να έρθει, αναπόφευκτα, η σειρά του καθενός μας για αντικατάσταση». [Βίβιαν Μητσάκου, Theaterproject365.gr]

 

«Όλες τις ρωγμές του έργου, τις καταθέτει με έναν θριλερικό όσο και κινηματογραφικής ταχύτητας, τρόπο η Ελένη Σκότη με την σκηνοθεσία της. Αποκαλύπτοντας σκηνικά, το βάθος και τις έννοιες που ο εκφερόμενος λόγος, άλλοτε με χιουμοριστική διάθεση, άλλοτε πάλι με σκληρότητα, έχει η κάθε λέξη εντός της. Την διάσταση της σημαντικότητας του πυρήνα του έργου. Η κ. Σκότη με την σκηνοθετική της διεισδυτικότητα, επιβάλλει και εδώ, την θεατρική πράξη , όχι μόνο ως μια εξέλιξη όποιας σκηνικής δράσης αλλά και ως αποτέλεσμα ρεαλιστικής απόδοσης, προκαλώντας παράλληλα και τους ίδιους τους ηθοποιούς, να γίνουν απόλυτα οι χαρακτήρες του έργου. Να βρεθούν στην θέση εκείνων και όχι απλά να τους παραστήσουν». [Γιάννης Γαβρίλης, All4fun.gr]

 

«Η συγγραφέας θίγει στο τραπέζι πολλά σύγχρονα ζητήματα που αφορούν τη γυναικεία εμπειρία, αναφορικά με τον εργασιακό, οικογενειακό και κοινωνικό περίγυρο. Και η σκηνοθέτρια Ελένη Σκότη, εκφράστρια του in-yer-face θεάτρου, με την καλή μετάφραση και το εξαιρετικά ευέλικτο σκηνικό του Γιώργου Χατζηνικολάου, ενορχηστρώνει μια κινηματογραφικού τύπου κλειστοφοβική συνθήκη, που εκμηδενίζει την εύκολη ετυμηγορία του κοινού για τις ακραίες στάσεις και συμπεριφορές των ηρώων του έργου. Με την αρωγή του Αντώνη Παναγιωτόπουλου στους καίριους φωτισμούς, της Μαρίας Αναματερού στα κατάλληλα κοστούμια και του Αντώνη Παπακωνσταντίνου στην ενδεικτική μουσική επένδυση. Η σκηνοθεσία της αναδεικνύει διακριτά το γήρας και την περιθωριοποίηση της γυναίκας, τη δυναμική της επιτυχημένης γυναίκας σε σχέση με την οικογένεια και τη σύνδεση του γήρατος με τα κοινωνικά πρότυπα της ομορφιάς». [Ντίνα Καρρά, Onlytheater.gr]

 

«Η Ελένη Σκότη στις παραστάσεις της αντιμετωπίζει την ωμή πραγματικότητα δίχως να λησμονεί το όνειρο. Όπως δεν την εγκαταλείπει και ο λυρικός οίστρος της ανθρωπιάς κάθε φορά που θα βρεθεί μπροστά στο συναίσθημα. Η «Linda», η νέα της σκηνοθεσία, τής προσφέρει την ευκαιρία να δείξει για μια ακόμη φορά τις εξαίρετες ικανότητές της στην αμεσότητα και την αληθοφάνεια επί σκηνής. Και οι ρεαλιστικές σκηνοθεσίες της θα παραμείνουν, πιστεύω, απόκτημα για το θέατρό μας. Παράσταση με συνεχή sold out, όπου θεατές συρρέουν γοητευμένοι, επιζητώντας την έντονη συγκίνηση η οποία προκύπτει από πρόσωπα και πράγματα που μοιάζουν της «διπλανής πόρτας», αλλά ταυτόχρονα περιβάλλονται από έναν αποκρυσταλλωμένο ρεαλισμό». [Ειρήνη Αϊβαλιώτου, Catisart.gr]

 

«Η σκηνοθέτιδα Ελένη Σκότη, μία εξαιρετικά ποιοτική παρουσία στο θεατρικό γίγνεσθαι, για άλλη μια φορά, μας οδηγεί στον πυρήνα ενός συγκλονιστικού θεατρικού πονήματος με την ευαισθησία που τη διακρίνει σε θέματα σύγχρονα γύρω από την αυτοδιάθεση, την ελεύθερη επιλογή, την υπαρξιακή αγωνία της ενηλικίωσης, την ωριμότητα της εμπειρίας και την εκμετάλλευση της εξουσίας». [Ζωή Τόλη, Enetpress.gr]

 

«Μια παράσταση που προκαλεί πολλούς από τους θεατές, να σκεφτούν και ίσως να επανατοποθετηθούν απέναντι στη ζωή και τις επιλογές τους». [Μαρία Μαρή, Artistico.gr]

 

«Η σκηνοθεσία της Ελένης Σκότη εστιάζει στα πρόσωπα με ρεαλιστική ματιά. Σκιαγραφεί ανθρώπους κι όχι καρικατούρες. Σε όλο αυτό το εγχείρημα πολύτιμος αρωγός τα εξαιρετικά σκηνικά του Γιώργου Χατζηνικολάου και οι φωτισμοί του Αντώνη Παναγιωτόπουλου. Η Λίντα είναι ένα έργο για όλους, ανεξαρτήτως φύλου και ηλικίας, μια υπενθύμιση για την αναλγησία της κοινωνίας απέναντι σε οτιδήποτε μη τέλειο». [Μαντώ Χαντζή, debop.gr]

 

«Η σκηνοθέτις δούλεψε όλους τους χαρακτήρες και φώτισε επαρκώς όλες τις πτυχές της προσωπικότητας τους […] Ένα εξαιρετικό εύρημα, για το οποίο υποκλίνομαι στην Ελένη Σκότη, είναι η παρουσία του διευθυντή της εταιρίας, του Ντέιβ, μονίμως μέσα από μια βιντεοκλήση». […] H Penelope Skinner έγραψε αυτό το υπέροχο κείμενο το 2015. Εμπλέκει έξι χαρακτήρες που ο καθένας διατηρεί την αυτοτέλειά του και συγχρόνως, σαν δορυφόροι, γυρνούν γύρω από την κεντρική ηρωίδα. Την Linda Wild . Μια γυναίκα του 21ου αιώνα με την οποία κάποιες από μας θα ταυτιστούν απόλυτα, άλλες λιγότερο. Είναι αδύνατον όμως μια γυναίκα να μην αναγνωρίσει στιγμές απ τη ζωή της μέσα στην ιστορία της Linda». [Στεφανία Τσουπάκη, Quinta-theater.gr]

 

«Η σκηνοθεσία της Ελένης Σκότη, επικεντρωμένη άλλοτε στην επιφάνεια και άλλοτε στην ωμότητα των γεγονότων, αναδεικνύει εξαιρετικά την πνευματική κατάπτωση των ηρώων». [Ημερολόγιο Θεάτρου]

 

«Η «Linda», πάνω απ' όλα, είναι μια ιστορία που όλοι και όλες οφείλουν να ακούσουν, γιατί συνιστά ένα κομμάτι και της δικής τους ιστορίας, ως εργαζόμενοι, ως σύζυγοι, ως γονείς, ως παιδιά, ως άνθρωποι». [Απόστολος Ιωαννίδης, Welovetheater.gr]

 

«Η Λίντα που γράφτηκε το 2015 μας αφορά όλους. Έχει κάνει τεράστια επιτυχία όπου έχει παιχτεί, όχι τυχαία αφού αποτυπώνει την ανασφάλεια των καιρών. Όλα μπορούν να ανατραπούν σε μια στιγμή». [Μαρία Πασλή, Θέατρο.gr]

 

Η παράσταση «Linda» πραγματοποιείται με την οικονομική υποστήριξη του Υπουργείου Πολιτισμού
 

 

 

 

 

 

 

Δείτε το trailer: https://youtu.be/oO1-H7lxgnw 

 

 

 

 

 

Info

 

Τοποθεσία: Επί Κολωνώ, Ναυπλίου 12 & Λένορμαν 94, Αθήνα
 Ημέρες-Ώρες Παραστάσεων: Πέμπτη, Παρασκευή στις 21:15, Σάββατο στις 18.15 & στις 21.15 & Κυριακή 18:15. Έως 5/4/26

Διάρκεια: 120΄

Τιμές εισιτηρίων: Πέμπτη έως Κυριακή: Α Ζώνη 25€ (Κανονικό), Β Ζώνη 22€ (Κανονικό), 18€ (Φοιτητικό, Ανέργων, +70, ΑΜΕΑ (67%) & συνοδός), Γ Ζώνη 18€ (Κανονικό)

* Για τα εισιτήρια ΑμεΑ είναι απαραίτητη η επικοινωνία με το ταμείο του θεάτρου

** Ισχύουν ειδικές τιμές για ομαδικές κρατήσεις

Πληροφορίες: Τηλ.: 210 5138067, www.epikolono.gr

Ηλεκτρονική προπώληση: https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/linda-2os-xronos

«ΤΟ ΣΗΜΕΙΩΜΑΤΑΡΙΟ»

του Ζαν Κλοντ Καρριέρ

 

Η Θεατρική Σκηνή Αντώνη Αντωνίου παρουσιάζει από την Παρασκευή 14 Μαρτίου 2026 το έργο του Ζαν Κλοντ Καρριέρ

«ΤΟ ΣΗΜΕΙΩΜΑΤΑΡΙΟ»

Μια τρυφερή και πνευματώδης κωμωδία για τον έρωτα, τη μοναξιά και το απρόβλεπτο της ζωής.

Λίγα λόγια για το έργο

Ο Ζαν Ζακ είναι ένας ώριμος «μπον βιβέρ», εκ πεποιθήσεως εργένης. Ζει μια μεθοδική και απόλυτα οργανωμένη ζωή, καταγράφοντας στο σημειωματάριό του τις ερωτικές του κατακτήσεις.

Ξαφνικά εισβάλλει στο διαμέρισμά του μια άγνωστη (ή μήπως όχι;) γυναίκα, που αρνείται να φύγει. Ελεύθερη, ανεξάρτητη και εντελώς διαφορετικός χαρακτήρας, έρχεται να ανατρέψει τη ρουτίνα και τη σιγουριά του.

Κατά τη διάρκεια της απρόσμενης αυτής συνάντησης γεννιούνται αντικρουόμενα συναισθήματα: περιέργεια, δυσφορία, αγανάκτηση, λύπηση, συμπάθεια και τελικά έρωτας.
 Είναι όμως αυτός ο τελικός κύκλος;

Γιατί η ζωή, όσο κι αν προσπαθούμε να τη βάλουμε σε τάξη, παραμένει πλούσια και κυρίως… απρόβλεπτη.

Συντελεστές

Μετάφραση: Γιάννης Θηβαίος
 Σκηνοθεσία: Αντώνης Αντωνίου
 Σκηνικά – Κοστούμια: Νίκος Κασαπάκης
 Φωτισμοί: Μαριέττα Παυλάκη
 Τεχνολογική Υποστήριξη: Κωνσταντίνος Βιδάλης
 Creative Agency: GRID FOX

Δημόσιες Σχέσεις: Άντζυ Νομικού 

Διανομή

Ζαν Ζακ: Νίκος Νίκας
 Σούζαν: Ελένη Κούστα
 Φωνή Μισέλ: Αντώνης Αντωνίου

 

Ημέρες & Ώρες Παραστάσεων

Τετάρτη: 19:30
 Πέμπτη – Παρασκευή – Σάββατο: 21:00
 Κυριακή: 20:00

Διάρκεια παράστασης: 75 λεπτά ( χωρίς διάλειμμα)

Για περιορισμένο αριθμό παραστάσεων.

 

Τιμές Εισιτηρίων

Τετάρτη – Πέμπτη – Παρασκευή: 10€
 Σάββατο – Κυριακή: 15€
 Φοιτητικό: 10€

Προπώληση Εισιτηρίων

Στο www.ticketservices.gr/event/theatriki-skini-to-simeiomatario και στο ταμείο του θεάτρου.

Χώρος Παράστασης

Θεατρική Σκηνή Αντώνη Αντωνίου
 Νάξου 84, Πλατεία Κολιάτσου
 Τηλέφωνο: 210 2236890

Το Πρόγραμμα της Εβδομάδας

στο THEATRE OF THE NO

Aπο 2 έως 8 Μαρτίου

Μουσική, Θέατρο, Αυτοσχεδιασμός & Σεμινάρια Χορού

 

Το THEATRE OF THE NO, το πρώτο αγγλόφωνο θέατρο της Αθήνας, ζωντανεύει και αυτή την εβδομάδα τη σκηνή με μουσική, θέατρο και σεμινάρια χορού, παρουσιάζοντας ένα πολυσυλλεκτικό πρόγραμμα που συνδυάζει  τον αυτοσχεδιασμό, την παράδοση και τη σύγχρονη σύνθεση η μουσική. Από την Πέμπτη 5 Μαρτίου έως την Κυριακή 8 Μαρτίου, η σκηνή γεμίζει ήχους και ιστορίες: το πολυμελές σχήμα Superbacana φέρνει βραζιλιάνικο groove, το Gilad Atzmon Quartet τιμά τη Nina Simone μέσα από μια σύγχρονη jazz ματιά, οι Encardia μεταμορφώνουν τη «Σονάτα του Σεληνόφωτος» του Γιάννη Ρίτσου σε μια καθηλωτική μουσικοθεατρική εμπειρία και οι Cantistoria μας οδηγούν σε ένα αφηγηματικό μουσικό ταξίδι, οπου  η παράδοση συναντά τη σύγχρονη μουσική.

 

«Η Τελευταία Μαγνητοταινία του Κραπ»  του  Samuel Beckett

Κάθε Δευτέρα στις 20:30 & & Παρασκευή 6 Μαρτίου, 21:00  (εξτρά παράσταση)

Το πρώτο αγγλόφωνο θέατρο της Αθήνας παρουσιάζει το εμβληματικό μονόπρακτο του Samuel Beckett, ένα από τα πιο βαθιά και συγκινητικά έργα του σύγχρονου θεάτρου, σε σκηνοθεσία της Έλβιρας Πουλιανού και με τον Αμερικανό ηθοποιό David Gilliam στον ρόλο του Κραπ. Η παράσταση παρουσιάζεται στα αγγλικά με ελληνικούς υπότιτλους και φωτίζει τη μοναχική μορφή ενός ηλικιωμένου άνδρα που συνομιλεί με το παρελθόν του, ξεδιπλώνοντας μνήμες, χαμένες ευκαιρίες και ανεκπλήρωτες επιθυμίες μέσα από μια σπαρακτική αναμέτρηση με τον χρόνο και τον ίδιο του τον εαυτό.

Ταυτότητα Παράστασης

Σκηνοθεσία: Ελβίρα Πουλιανού

Ερμηνεία: David Gilliam

Τιμές Εισιτηρίων: Κανονικό: 15€, Φοιτητές, άνεργοι, ΑμεΑ: 12€ Ηθοποιοί/Μαθητές δραματικών σχολών: 10€

Προπώληση: https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/krapps-last-tape-by-samuel-beckett/

Προσφορά: 20 εισιτήρια διαθέσιμα στο ταμείο με 5€. Απαραίτητη η προσέλευση μία ώρα πριν την έναρξη της παράσταση

 

Πέμπτη 5 Μαρτίου, 21:00

Superbacana - Βραζιλιάνικο groove

 

Μετά από 10 χρόνια απουσίας, οι Superbacana, το πολυμελές γκρουπ υπό τον Jef Maarawi επιστρέφει στη σκηνή με καυτό βραζιλιάνικο groove, Samba-Rock, Soul, Funk και Samba Reggae, Το κοινό καλείται να φορέσει τα καλά του παπούτσια και να ετοιμαστεί για μια βραδιά γεμάτη ενέργεια και χορευτικό παλμό.

Άγγελος Αγγελίδης – κιθάρα, φωνητικά

Βασίλης Βλαχάκος – κιθάρα, φωνητικά

Demian Gomez – τύμπανα, φωνητικά

Mampre Kasardjian – μπάσο

Jef Maarawi – φωνητικά

Εισιτήρια: 10€ Ι Προπώληση: https://www.more.com/gr-el/tickets/music/superbacana/

 

Σάββατο 7 Μαρτίου, 18:00

  Encardia – «Η Σονάτα του Σεληνόφωτος» (Γιάννης Ρίτσος)

 

Η επιτυχημένη παράσταση αποτελεί μια μουσικοθεατρική απόδοση της «Σονάτας του Σεληνόφωτος» του Γιάννη Ρίτσου, όπου ποίηση και μουσική ενώνονται σε μια καθηλωτική σκηνική εμπειρία. Οι στίχοι του Ρίτσου συνυπάρχουν αρμονικά με τη σύγχρονη μουσική γλώσσα, αποτυπώνοντας τη βαθιά μεσογειακή ψυχή των Encardia.

 

Βαγγέλης Παπαγεωργίου – ακορντεόν, φυσαρμόνικα, τραγούδι

Μιχάλης Κονταξάκης – κιθάρα, τραγούδι

Ναταλία Κωτσάνη – τραγούδι, κρουστά

Δημήτρης Τσεκούρας / Γιώργος Ντάνης – κοντραμπάσο (εκ περιτροπής)

Κώστας Κωνσταντάτος – τραγούδι, μαντολίνο, κρουστά

Γυναίκα με τα μαύρα: Άννα Θεοδωρίδου

Μουσική: Μιχάλης Κονταξάκης

Σκηνοθετική επιμέλεια: Παντελής Δεντάκης

Εισιτήρια: 15€  Ι Προπώληση: https://www.more.com/gr-el/tickets/music/encardia-ei-sonata-tou-selinofotos-giannis-ritsos/

 

Σάββατο 7 Μαρτίου, 21:30  

 Αφιέρωμα στη Nina Simone - Gilad Atzmon Quartet  

 

Ένα αφιέρωμα στην εμβληματική φωνή της Nina Simone, με τη μαγευτική ερμηνεία της Tali Atzmon και το καταξιωμένο κουαρτέτο του σαξοφωνίστα και συνθέτη Gilad Atzmon. Με μια φρέσκια jazz προσέγγιση, το πρόγραμμα αναδεικνύει τόσο τα κλασικά όσο και τα λιγότερο γνωστά τραγούδια της Simone, προσφέροντας μια μοναδική μουσική εμπειρία..

 

Tali Atzmon – φωνή

Δημήτρης Βερδίνογλου – πιάνο

Gilad Atzmon – σαξόφωνο & χαρμονίκα

Γιώργος Πανταζόπουλος – κοντραμπάσο

Παναγιώτης Θέμας – τύμπανα

Εισιτήρια: 15€  I Προπώληση: https://www.more.com/gr-el/tickets/music/a-tribute-to-nina-simone-by-gilad-atzmon-quartet/

 

Κυριακή 8 Μαρτίου, 20:30  I

Cantistoria

 

 Οι Cantistoria παρουσιάζουν ένα μουσικοθεατρικό ταξίδι με ήχους και ιστορίες από τη Δύση και την Ανατολή, συνδυάζοντας τραγούδι, μουσική και αφήγηση. Η παράσταση αναδεικνύει την παράδοση των τραγουδιστών ιστοριών και ταξιδεύει το κοινό από τη μεσαιωνική και αναγεννησιακή Ευρώπη, στα blues και τις folk μπαλάντες της Αμερικής.

Σοφία Ραφτούλη – ακορντεόν, τραγούδι

Κωνσταντίνος Γιωτσόπουλος – κιθάρα, αφήγηση

Αλέξανδρος Κακαρούμπας – τσέλο, τραγούδι

Γιώργος Παπαγεωργίου – μαντολίνο

Γιώργος Μπαράκος – κρουστά

Χορευτικό ντουέτο Ballo del Mare: Κωνσταντίνα Καλκάνη, Γιάννα Χαμαλέλη

 

Εισιτήρια: 12€ I https://www.more.com/gr-el/tickets/music/cantistoria/

 

Κυριακή 8 Μαρτίου: 12:00 – 14:00

  Ready to Dance? – Σεμινάριο Παραδοσιακών Χορών Δυτικής Ευρώπης: Πορτογαλία & Γαλλία

 

 Ενα βιωματικό ταξίδι στην Πορτογαλία και τη Γαλλία μέσα από παραδοσιακούς χορούς όπως Repasseado, Danse de l’Ours και Tordion. Μαθητές και λάτρεις των χορών θα γνωρίσουν βασικά βήματα, ρυθμούς και τεχνικές, με τη ζωντανή συνοδεία των Cantistoria, ενώ η διδασκαλία θα συνδυάζει ιστορικό πλαίσιο, έκφραση και συλλογική κίνηση. (Ανοιχτό σε όλα τα επίπεδα.)

 

Διδασκαλία: Κωνσταντίνα Καλκάνη, Ιωάννα Χαμαλέλη

Μέγιστος αριθμός συμμετεχόντων: 30

Τιμή: 16€ | Προπώληση: https://www.more.com/gr-el/tickets/seminar/ready-to-dance-seminaria-xorou/

Κρατήσεις: 693 807 4847 

 

THEATRE OF THE NO: Κωνσταντίνου Παλαιολόγου 3, Αθήνα Ι 6946851001

Lost & Found της Nalini Vidoolah Mootoosamy Μετάφραση - Σκηνοθεσία: Πέτρος Νάκος   κάθε Σάββατο στις 21.00 & κάθε Κυριακή στις 20.00 στο Θέατρο Altera Pars

Κρατήσεις: https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/lost-and-found   «Τον ξένο και τον εχθρό τον είδαμε στον καθρέφτη»     Γ. Σεφέρης Ο καλλιτεχνικός οργανισμός Altera Pars, συνεπής στη διαρκή του αναζήτηση για σύγχρονα, πρωτοεμφανιζόμενα έργα που συνομιλούν άμεσα με το σήμερα, επιστρέφει τη φετινή θεατρική περίοδο με το έργο Lost & Found της Ιταλο-μαυρικιανής συγγραφέως Nalini Vidoolah Mootoosamy, που παρουσιάζει σε παγκόσμια πρώτη, σε μετάφραση από τα ιταλικά και σκηνοθεσία Πέτρου Νάκου. Το έργο γραμμένο το 2022, υποψήφιο για το βραβείο Riccione  -καλύτερου σύγχρονου ιταλικού έργου- γοητεύει με τη διττή του φύση: ρεαλιστικά ωμό και ταυτόχρονα αισθαντικά ποιητικό, το Lost & Found πραγματεύεται το θέμα, της ελευθερίας της μετακίνησης και της μετανάστευσης, τις σχέσεις βίας και εξουσίας σε όλο τo φάσμα μιας κοινωνίας και εν τέλει το «όνειρο για μια καλύτερη ζωή», με τρόπο ιδιαιτέρως πρωτότυπο και αυθεντικό. Δεν στοχεύει στη συμπόνια για τους «κατατρεγμένους», δεν επιδιώκει τη φιλανθρωπία ή την ενοχή… Το Lost & Found απευθύνεται στο σύγχρονο πολίτη του δυτικού κόσμου, θέτοντας του το ερώτημα:   Σ’ έναν τόσο ασταθή και μεταβαλλόμενο κόσμο πόσο δεδομένη είναι η ασφάλεια; Ένα μόνο γύρισμα της τύχης αρκεί για να εκπέσει κανείς από τη θέση του προνομιούχου στη θέση εκείνου που «δεν του ανήκει τίποτα».

Υπόθεση Σε ένα μακρινό αεροδρόμιο, κάποιου «δημοφιλούς εξωτικού προορισμού», ένα ζευγάρι  Ευρωπαίων τουριστών χάνει τις αποσκευές του. Το ατυχές αυτό γεγονός, θα μετατρέψει τις πολυαναμενόμενες διακοπές του σε έναν ταραχώδη εφιάλτη, με απρόσμενη κατάληξη.  Ταυτόχρονα, σ’ ένα ευρωπαϊκό hotspot -που θυμίζει πολύ αυτά της χώρας μας- ένας παράτυπος μετανάστης κρατείται έγκλειστος προκειμένου να ταυτοποιηθεί και στη συνέχεια -το πιθανότερο- να απελαθεί. Ο τόπος προέλευσης πρέπει οπωσδήποτε να αποκαλυφθεί, αν θέλουν οι αρχές του τόπου να επιτύχουν την αποστολή τους: να προστατεύσουν τη χώρα, να τη διατηρήσουν «καθαρή» και ασφαλή, από τις εισροές των παράτυπων μεταναστών. Ο μετανάστης γνωρίζει πολύ καλά πως αν καταφέρει ν’ αποκρύψει τον τόπο καταγωγής του, το δικαίωμα «στο όνειρο για μια καλύτερη ζωή» παρατείνεται…. Σε κάθε περίπτωση, «πίσω δε θέλει να γυρίσει», «δεν μπορεί να γυρίσει πίσω». Αυτό είναι που τον οπλίζει με σθένος και αντοχή για να αντέξει σε όλες τις πιέσεις που θα του ασκήσουν. Σύντομα όμως, ο φόβος, η εξάντληση και η βία –σωματική και ψυχολογική– θα τον οδηγήσουν  στην κατάρρευση. Οι δύο ιστορίες που κινούνται παράλληλα, συναντιούνται στο τέλος, πυροδοτώντας δραματικές εξελίξεις.   Για το έργο  Στο Lost & Found ένας μετανάστης κι ένας Ευρωπαίος τουρίστας ακολουθούν δύο παράλληλες εσωτερικές διαδρομές που καθρεφτίζονται η μία μέσα στην άλλη, καλώντας μας ν’ αναλογιστούμε: Πόσο διαφορετικοί είμαστε τελικά μεταξύ μας;  Το έργο μάς υπενθυμίζει πως κανένα διαβατήριο, καμία καταγωγή, κανένα προνόμιο δεν εγγυάται ότι ο κόσμος μας δεν θα καταρρεύσει από τη μια στιγμή στην άλλη. Κι αυτή η παραδοχή της αβεβαιότητας  μας κάνει να συναισθανθούμε πως ο άνθρωπος πίσω από το συρματόπλεγμα του hotspot δεν είναι ένα «άλλο είδος», αλλά μια δυνητική εκδοχή του εαυτού μας, που βιώνει τον φόβο, την απώλεια προσανατολισμού, την ανάγκη για έναν τόπο ασφάλειας – συναισθήματα βαθιά ανθρώπινα και οικεία σε όλους. Γρήγορο, σύγχρονο και ατμοσφαιρικό, στο Lost & Found η αφήγηση ξεδιπλώνεται με συνεχείς αλλαγές ρυθμού και διάθεσης, κινείται ανάμεσα στο καθημερινό και στο ποιητικό και ισορροπεί δεξιοτεχνικά ανάμεσα στο τραγικό και το κωμικοτραγικό. Φωτίζει τη φρίκη αλλά και τη γελοιότητα που συχνά συνυπάρχουν σε ακραίες καταστάσεις, δίνοντας μας άλλοτε κωμικές ανάσες ελαφρότητας κι άλλοτε στιγμές σκληρής αλήθειας. Σε μια εποχή που μας μαθαίνει να φοβόμαστε τον «ξένο» και μας εκπαιδεύει στο διαχωρισμό, το Lost&Found επιμένει στην ταύτιση και την ενσυναίσθηση. Στη δυνατότητα δύο άνθρωποι –έστω για ένα δευτερόλεπτο– να αναγνωρίσουν ο ένας τον άλλον. Μια φευγαλέα ματιά στο έργο, οδηγεί στιγμιαία στην ταύτιση του προνομιούχου Ευρωπαίου με τον παράτυπο μετανάστη και γίνεται το πιο ισχυρό επιχείρημα ενάντια σε έναν κόσμο που μας θέλει διαχωρισμένους. Γιατί αυτό που εν τέλει μας ενώνει δεν είναι η βεβαιότητα, αλλά η ευθραυστότητα. Και ίσως –ίσως– μέσα από αυτή την ευθραυστότητα να μπορούμε ακόμα να συναντιόμαστε. Το Lost & Found αναμένεται να κυκλοφορήσει το Φεβρουάριο του 2026 από τις εκδόσεις Δωδώνη, σε μετάφραση Πέτρου Νάκου.   Για τη συγγραφέα  Η Nalini Vidoolah Mootosamy είναι Ιταλο-Μαυρικιανή συγγραφέας και διδάκτωρ γαλλικών σπουδών στο Πανεπιστήμιο του Μιλάνου, όπου διδάσκει γαλλική λογοτεχνία. Εκπαιδεύτηκε και ειδικεύτηκε στη δραματική γραφή, παρακολουθώντας εργαστήρια και πραγματοποιώντας πρακτική άσκηση με τους VitalianoTrevisan, Renato Gabrielli, Davide Carnevali, Victoria Szpunberg και Ella Hickson. Εργάζεται στο πρόγραμμα «Teatro Utile» της Accademia dei Filodrammatici στο Μιλάνο, το οποίο εστιάζει στα θέματα μετανάστευσης και μεταναστών δεύτερης γενιάς στην Ιταλία. Το 2018, η Mootoosamy ίδρυσε την Ένωση Τεχνών Ananke, η οποία διοργανώνει θεατρικά εκπαιδευτικά προγράμματα και δράσεις με έμφαση σε σύγχρονα θέματα. Το έργο της «Το Χαμόγελο του Ξένου» ήταν το νικητήριο έργο των βραβείων Fabulamundi για μετανάστες θεατρικούς συγγραφείς δεύτερης γενιάς στην Ιταλία. Ακολούθησαν τα έργα Bleach Me (2021), Lost & Found (2022) και Now is for ever (2022). Το 2021, εντάχθηκε ως θεατρική συγγραφέας στο δίκτυο Fabulamundi Playwriting Europe, συμμετέχοντας σε πολλά θεατρικά projects στην Ευρώπη. Το 2022 επιλέχθηκε να συμμετάσχει στο πρόγραμμα Interactiones του Μπουένος Άιρες για τη σύγχρονη δραματουργία, το οποίο στοχεύει στη δημιουργία ενός θεατρικού δικτύου μεταξύ Ιταλίας, Μεσογειακής Ευρώπης και Λατινικής Αμερικής.   Ταυτότητα παράστασης:  Mετάφραση – Σκηνοθεσία  -Φωτισμοί: Πέτρος Νάκος Σκηνικά- Koστούμια: Αltera Pars Σύνθεση ηχοτοπίων – Βοηθός σκηνοθέτη Ά: Aγγελική Κοντού Βοηθός σκηνοθέτη Β’: Χαρά Νικολάου  Ηχοληψία – Βοηθός παραγωγής Α’: Διονύσης Μανιώτης Βοηθός παραγωγής Β’: Άρης Κουκάς  Επεξ/σία ήχων: Aναστασία Ντανάκα Κατασκευές σκηνικών: Στέφανος Λώλος – Θωμάς Σιαμπέκας Video παράστασης: Ιωσήφ Τοπαλιάν Φωτογραφίες: Παναγιώτης Μητσέας – Αγγελική Κοντού  Eπικοινωνία: Le Canard qui Parle Παραγωγή: Αltera Pars 2025-2026   Παίζουν: Πέτρος Νάκος, Δημήτρης Δρακόπουλος, Νίκος Αξιώτης, Αγγελική Κοντού, Σάκης Σιούτης, Άντα Κουγιά   Πληροφορίες:  - Kάθε Σάββατο στις 21.00 & Κυριακή στις 20.30 - Θέατρο Altera Pars (Μεγ. Αλεξάνδρου 123, Κεραμεικός) - Εισιτήρια: 18 ευρώ (Κανονικό) -15 ευρώ (Φοιτητικό) 12 ευρώ (Ανέργων/ΑΜΕΑ/Ομαδικά άνω των 10 ατόμων) – 8 ευρώ (Ατέλειες) - Κρατήσεις & Τηλ. Επικοινωνίας: 210 3410011 / more.com   *Η παράσταση πραγματοποείται με την οικονομική στήριξη του ΥΠΠΟ.  ** Θερμές ευχαριστίες προς τον Διεθνή Αερολιμένα Αθηνών για την παροχή σκηνικών αντικειμένων.

Δικαίωμα στη λήθη

της Δέσποινας Αποστολίδου

 

Σκηνοθεσία: Νάνσυ Ρηγοπούλου

 

Κάθε Τρίτη στις 21:00 

Θέατρο Άβατον

                          2 τελευταίες παραστάσεις

                           

Μετά την περσινή επιτυχία και τα διθυραμβικά σχόλια της κριτικής, το έργο της Δέσποινας Αποστολίδου επέστρεψε στο Θέατρο Άβατον, κάθε Τρίτη στις 21:00. Τη σκηνοθεσία υπογράφει η Νάνσυ Ρηγοπούλου, η οποία, μαζί με τη συγγραφέα, ερμηνεύει επί σκηνής τις συγκλονιστικές ιστορίες του έργου.

Μένουν 2 ακόμη παραστάσεις 10 και 17 Μαρτίου.

Στο «Δικαίωμα στη Λήθη», η ταλαντούχα θεατρική συγγραφέας και ηθοποιός φέρνει στο προσκήνιο τον κόσμο των ανθρώπων που δοκιμάζονται από ψυχικές ασθένειες. Έπειτα από εκτενή έρευνα, ζωντανεύει μαρτυρίες ασθενών, φροντιστών και επαγγελματιών υγείας, από το 1924 έως σήμερα.

 

Λίγα λόγια για την υπόθεση:

Σε ένα ιδιόμορφο πλατό τηλεοπτικής εκπομπής δύο γυναίκες που έχουν βιώσει την ψυχική ασθένεια στο οικογενειακό τους περιβάλλον, καλούνται να μιλήσουν για την εμπειρία τους. Σκοπός της εκπομπής είναι η ευαισθητοποίηση της κοινής γνώμης μέσα από πραγματικές εμπειρίες ανθρώπων. Με οδηγό το χιούμορ, την συγκίνηση, την ένταση, οι χαρακτήρες αποκαλύπτονται και οι μάσκες της καθημερινότητας μπαίνουν στην άκρη. Πόσο εύκολο είναι να μιλήσουμε με ειλικρίνεια; Τι συμβιβασμούς κάνουμε για την κοινωνική αποδοχή; Πόσο ντρεπόμαστε, άραγε; Η ροή της εκπομπής διακόπτεται από μαρτυρίες ασθενών, φροντιστών, εργαζομένων ψυχικής υγείας, από την Ελλάδα του 1924 μέχρι και σήμερα. Κλεφτές ματιές σε μια διαφορετική πραγματικότητα.

*Το έργο είναι εμπνευσμένο από πραγματικές μαρτυρίες

Σκηνοθετικό σημείωμα:

Κατά την διάρκεια της μαγνητοσκόπησης μιας τηλεοπτικής εκπομπής, δυο γυναίκες καλούνται να μιλήσουν με την παρουσιάστρια για τους ανθρώπους τους, για τις ζωές τους και πως άλλαξαν όταν ήρθαν αντιμέτωποι με την ψυχική ασθένεια. Σε ένα χαλαρό και αρκετές φορές χιουμοριστικό κλίμα , η κάθε μία ξεδιπλώνει την αλήθεια της. Μέσα από το έργο συνειδητοποιούμε ότι όλοι αυτοί οι άνθρωποι είναι δίπλα μας.  Είναι οι άνθρωποι που βλέπουμε στο πλήθος καθημερινά, στις δουλειές μας, στον δρόμο, σε μια συνάντηση, στο σπίτι μας, στον καθρέφτη μας. Άνθρωποι που «φορούν» το χαμόγελό τους και προσπαθούν να ζουν την κάθε μέρα.  Παράλληλα, σπάει η θεατρική σύμβαση του χώρου και του χρόνου και μας φέρνει αντιμέτωπους με αληθινές μαρτυρίες του παρελθόντος. Μαρτυρίες ασθενών -  υπό άθλιες συνθήκες νοσηλείας σε ένα σύστημα υγείας διόλου υποστηρικτικό και βοηθητικό - που η οικογένεια τους γύρισε την πλάτη, συγγενών που βίωσαν το στίγμα και τον κοινωνικό αποκλεισμό, αλλά και ανθρώπων που εργάστηκαν σε δομές ψυχικής υγείας με φροντίδα και αγάπη.  Στην παράσταση διατηρείται ένα ρεαλιστικό πλαίσιο που σπάει η αποστασιοποίηση των αφηγήσεων, ενώ η πρωτότυπη μουσική αγκαλιάζει την ατμόσφαιρα του έργου αναδεικνύοντας την συναισθηματική μνήμη. Οι συμμετέχουσες της εκπομπής έχουν την δυνατότητα, σε περίπτωση που αλλάξουν γνώμη σχετικά με την συμμετοχή τους, να ζητήσουν την διαγραφή όλων των δεδομένων που τις αφορούν και να αποχωρήσουν. Το «Δικαίωμα στη λήθη», δηλαδή. Θα το χρησιμοποιήσουν; Εμείς τι θα κάναμε στη θέση τους; Δεν έχω απαντήσει ακόμα σε αυτό το ερώτημα. Σίγουρα πρέπει να έχουμε το δικαίωμα να κοιτάμε τους ανθρώπους μας στα μάτια χωρίς να ντρεπόμαστε. Να τους κρατάμε από το χέρι σε όλη την διαδρομή.

Νάνσυ Ρηγοπούλου

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=8QEwSaEGB2U 

 

Συντελεστές:

Κείμενο: Δέσποινα Αποστολίδου

Σκηνοθεσία: Νάνσυ Ρηγοπούλου

Παίζουν: Νάνσυ Ρηγοπούλου, Δέσποινα Αποστολίδου

 

Πρωτότυπη μουσική: Ελισάβετ Γούναρη

Σκηνικά: Τζία Τσουρουνάκη

Σχεδιασμός Φωτισμού: Νάνσυ Ρηγοπούλου

Κοστούμια: Niccolò Patissi

Βοηθός σκηνοθέτη / social media: Άκης Χαλκιάς

Φωτογραφίες: Μαρία Μονάντερου

Trailer: Μύρα Δοϊτσίδου, Θάνος Κοφινάς

Γραφιστική επιμέλεια: Λασκαρίνα Καπετοπούλου

Υπεύθυνη επικοινωνίας: Γιώτα Δημητριάδη

 

Πληροφορίες Παράστασης:

Από Τρίτη 17/02 έως Τρίτη 17/03.

Ώρα έναρξης  21.00

 

Τιμές εισιτηρίων:

Γενική Είσοδος: 12€

Φοιτητικό, Άνω των 65 ετών: 10€

Ανέργων, ΑΜΕΑ, Ατέλειες: 7€

*Ειδικές τιμές εισιτηρίων για ομαδικές κρατήσεις κατόπιν συνεννόησης.

* Τηλέφωνα κρατήσεων: 210-3412689, 6949681428

Προπώληση εισιτηρίων : Δικαίωμα στη λήθη - 2ος χρόνος | Εισιτήρια online! | More.com

 

Διάρκεια παράστασης : 70 λεπτά

 

ΘΕΑΤΡΟ ΑΒΑΤΟΝ

ΕΥΠΑΤΡΙΔΩΝ 3, 11854 ΚΕΡΑΜΕΙΚΟΣ (300μ. από το μετρό Κεραμεικός)

Τηλ. 210-3412689

Email: Αυτή η διεύθυνση ηλεκτρονικού ταχυδρομείου προστατεύεται από τους αυτοματισμούς αποστολέων ανεπιθύμητων μηνυμάτων. Χρειάζεται να ενεργοποιήσετε τη JavaScript για να μπορέσετε να τη δείτε.

 

Social Media:

Instagram: ΔΙΚΑΙΩΜΑ ΣΤΗ ΛΗΘΗ (@dikaioma.sti.lithi) • Φωτογραφίες και βίντεο στο Instagram 

Facebook: https://facebook.com/61573452053401 

"Έναν συγγραφέα παρακαλώ!"  (Y a-t-il un auteur dans la salle?)   Η ξεκαρδιστική σάτιρα του Jean-Pierre Martinez για πρώτη φορά στην Ελλάδα    Κρατήσεις:  https://cometogether.live/event/4336/enan-syggrafea-parakalw-y-a-t-il-un-auteur-dans-la-salle

Κάθε Δευτέρα και Τρίτη στο Θέατρο NOŪS - Creative Space Μετάφραση: Αλεξάνδρα Χαραλαμπίδου Σκηνοθεσία: Σάκης Τσινιάρος   Σε έναν κόσμο όπου η Τέχνη επιβιώνει παρά τις πολλαπλές κρίσεις, ο σύγχρονος μετρ του θεατρικού χιούμορ Jean-Pierre Martinez, παραδίδει ένα αριστοτεχνικό, σπαρταριστό μονόπρακτο. Το έργο «Έναν συγγραφέα παρακαλώ!» ανεβαίνει για πρώτη φορά στην Ελλάδα και υπόσχεται όχι μόνο αφθονία γέλιου, αλλά και μια ανατρεπτική ματιά στην ίδια τη φύση της θεατρικής τέχνης και στην ανάγκη για δημιουργία.   Τη Δευτέρα 9 Μαρτίου θα παρευρεθεί στην παράσταση ο ίδιος ο συγγραφέας, με αφορμή το ανέβασμα του έργου του στην Ελλάδα.  Μετά το τέλος της παράστασης θα ακολουθήσει συζήτηση με το κοινό, δίνοντας την ευκαιρία για μια ανοιχτή ανταλλαγή σκέψεων γύρω από το έργο και τη σύγχρονη θεατρική δημιουργία.   Σχετικά με το Έργο: Όταν η Πραγματικότητα Συναντά το... Άγραφο   Επτά χρόνια έχουν περάσει από τότε που η ανθρωπότητα πάλεψε με μια νέα παγκόσμια κρίση, η οποία οδήγησε στο μαζικό κλείσιμο των πολιτιστικών ιδρυμάτων και των θεάτρων. Τρεις υποτιθέμενοι ηθοποιοί εμφανίζονται για το πρώτο casting που ανακοινώνεται μετά την επταετή σιωπή. Ή μήπως είναι μια δημόσια ανάγνωση; Ή μήπως μιλάμε για την πρεμιέρα; Η μόνη βεβαιότητα είναι μία: δεν έχουν το κείμενο. Ο συγγραφέας δεν το έχει γράψει ακόμα. Η απουσία του πιο ουσιαστικού στοιχείου που κινεί μία παράσταση οδηγεί τους τρεις ηθοποιούς στον αυτοσχεδιασμό. Μέσα σε αυτό το κενό, ξεκινούν οι υπαρξιακές κρίσεις, θολώνουν τα όρια μεταξύ φαντασίας και πραγματικότητας και οι χαρακτήρες αρχίζουν να εκδηλώνουν πολλαπλές προσωπικότητες. Όλες αυτές οι καθαρτικές στιγμές στη ζωή των τριών ηθοποιών οδηγούν στο ερώτημα: θα βρεθεί επιτέλους συγγραφέας; Το έργο είναι μια τολμηρή ματιά πίσω από την αυλαία του, φέρνοντας στο προσκήνιο το μαγικό «Εάν», προσπαθώντας να δώσει νόημα σε μια υποθετική περίοδο της ύπαρξής μας.   Λίγα Λόγια για τον Jean-Pierre Martinez Ο Jean-Pierre Martinez, Γάλλος με ισπανικές ρίζες, είναι ένας διεθνώς αναγνωρισμένος θεατρικός συγγραφέας με ασυνήθιστη διαδρομή. Έχοντας σπουδάσει Οικονομία, Φιλολογία και Σεναριογραφία, εργάστηκε ως ντράμερ, σημειολόγος διαφήμισης και σεναριογράφος πριν αφοσιωθεί στο θέατρο. Έχει γράψει πάνω από 117 έργα που παίζονται παγκοσμίως (διαθέσιμα δωρεάν σε 20+ γλώσσες), γεγονός που του χάρισε ταχεία αναγνώριση εκτός των παραδοσιακών θεσμών. Το κωμικό στυλ του συνδυάζει τη γαλλική παράδοση με ένα σύγχρονο στοιχείο παραλόγου, δημιουργώντας σουρεαλιστικές καταστάσεις από την καθημερινότητα. Εξαιρετικός στην κοινωνική κριτική, χρησιμοποιεί τη σάτιρα για να σχολιάσει τους χαρακτήρες και τις παρεκκλίσεις της κοινωνίας, με μια ματιά που θυμίζει τον Μολιέρο. Ο Martinez βλέπει την κωμωδία ως «όπλο» για την υπεράσπιση ανθρωπιστικών αξιών, προωθώντας ένα λαϊκό θέατρο που είναι ταυτόχρονα διασκεδαστικό, ανατρεπτικό και δεσμευμένο.   Ταυτότητα Παράστασης Σκηνοθεσία: Σάκης Τσινιάρος Μετάφραση/ δραματουργική επεξεργασία: Αλεξάνδρα Χαραλαμπίδου Κοστούμια: Ειρήνη Γεωργακίλα Σκηνικός χώρος: Liwliw X Κομμώσεις: Γιώργος Καρδάτος Πρωτότυπη μουσική: Γιώργος Χαλικιόπουλος Σχεδιασμός φωτισμού: Σάκης Τσινιάρος Βοηθός σκηνοθέτη: Έλενα Ραουζαίου Κατασκευή Κοστουμιών: Βάνια Αλεξάνδροβα Εικαστικά/ αφίσα: Σοφία Γεωργίου Τρέιλερ/ φωτογραφίες: Νίκος Χατζηβασιλείου Παραγωγή: Vaya Con Dios Α.Μ.Κ.Ε. Επικοινωνία: CALD/Αυτή η διεύθυνση ηλεκτρονικού ταχυδρομείου προστατεύεται από τους αυτοματισμούς αποστολέων ανεπιθύμητων μηνυμάτων. Χρειάζεται να ενεργοποιήσετε τη JavaScript για να μπορέσετε να τη δείτε.   Παίζουν οι ηθοποιοί (αλφαβητικά): Τάκης Παρασκευόπουλος, Σάκης Τσινιάρος, Αλεξάνδρα Χαραλαμπίδου, Μάρω Χαραλαμπίδου   Πληροφορίες Παράστασης Χώρος: Θέατρο NOŪS - Creative Space (Τροίας 34, Αθήνα) Πρεμιέρα: 12/1/2026 Ημέρες & Ώρες: Κάθε Δευτέρα και Τρίτη στις 21.00 Τιμές Εισιτηρίων: Γενική Είσοδος: 15€,  Φοιτητικό/άνω των 65/Ανέργων: 13€ Ατέλεια: 5€ Διάρκεια: 70 λεπτά Κρατήσεις: https://cometogether.live/el & 210 8237 333

­

Theatre Nous-Creative space

Τροίας 34, Αθήνα

Τηλέφωνο: 21 0823 7333

 

Teen Talk about Bullying
  Θέατρο Forum από τον Μικρό Βορρά
 7 & 21 Μαρτίου

 

Προπώληση εισιτηρίων:
 https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/children/teen-talk-about-bullying-apo-ton-mikro-borra/

 

Το bullying δεν είναι “μια κακή στιγμή”. Είναι ένας κύκλος. Και σπάει μόνο όταν κάποιος/κάποια παρέμβει.

Μικρός Βορράς επαναλαμβάνει, λόγω επιτυχίας, στο θέατρο Nous – Creative Space το Teen Talk about Bullying, στις 7 και 21 Μαρτίου. Μια παράσταση Θεάτρου Forum που μετατρέπει το κοινό από θεατή σε ενεργό συμμέτοχο, με στόχο να ανοίξει ουσιαστικό διάλογο για τον σχολικό εκφοβισμό και να αναζητηθούν πρακτικές λύσεις.

Τι είναι το Teen Talk about Bullying 

Πρόκειται για μια παράσταση συμμετοχικού θεάτρου (Forum) που διαπραγματεύεται το bullying στη σχολική κοινότητα. Η ιστορία παρακολουθεί τον Πάρη, ένα 13χρονο αγόρι σε νέο σχολείο, την Όλια, που κρατιέται από την ασφάλεια της παιδικής ηλικίας, και τον Μάρκο, που βιώνει βία στο σπίτι. Μέσα από τις σχέσεις τους ξετυλίγεται ένα πλέγμα εκφοβισμού, στο οποίο εμπλέκονται και οι ενήλικες του σχολείου.

Το “Forum” ξεκινά μετά την ιστορία 

Μετά την παρουσίαση, αρχίζει η διάδραση. Οι θεατές μπορούν να παρέμβουν, να προτείνουν λύσεις, να πάρουν ρόλους και να δοκιμάσουν άλλες στρατηγικές και επιλογές:

όχι “θεωρίες”, αλλά ρεαλιστικές παρεμβάσεις που μπορούν να αλλάξουν την εξέλιξη.

Γιατί το Θέατρο Forum είναι, πάνω απ’ όλα, πρόβα ζωής.

Γιατί να το δουν μαθητές και εκπαιδευτικοί 

Το έργο αποφεύγει τα στερεότυπα και φωτίζει τον εκφοβισμό ως φαινόμενο που αφορά ολόκληρη τη σχολική κοινότητα. Ενδυναμώνει μαθητές και εκπαιδευτικούς, καλλιεργεί δεξιότητες επικοινωνίας και ενεργοποιεί τη συλλογική ευθύνη: να σταματάμε τη βία όταν συμβαίνει “δίπλα μας”.

* Με την υποστήριξη: Πανελλήνιο Δίκτυο για το Θέατρο στην Εκπαίδευση 

  

ΠΛΗΡΟΦΟΡΙΕΣ ΠΑΡΑΣΤΑΣΗΣ 

Τίτλος: Teen Talk about Bullying 

Χώρος: Theatre Nous – Creative Space, Τροίας 34, Αθήνα 

Ημερομηνίες: 7 & 21 Μαρτίου στις 16:00

Εισιτήρια: https://www.more.com/gr-el/tickets/theater/children/teen-talk-about-bullying-apo-ton-mikro-borra/ 

Και στο ταμείο του θεάτρου

Video Trailer 

 

Ταυτότητα παράστασης 

Σύλληψη ιδέας – σκηνοθεσία: Χριστίνα Κρίθαρη 

Κείμενο: Μικρός Βορράς

Μουσική: Μάριος Αποστολακούλης 

Σκηνικά αντικείμενα – ενδυματολογία: Ιωάννα Παγιατάκη 

Κινησιολογική επιμέλεια: Τάσος Παπαδόπουλος

Μακιγιάζ - hairstyling: Στέφανος Μπαμπούλης

Φωτογραφίες: Ζαφείρης Σαλμανλής 

Βίντεο: Ελένη Σειρά

Ειδικές κατασκευές: Ανέττα Ιμπρισίμη 

Καλλιτεχνική Διεύθυνση: Τάσος Ράτζος 

Παίζουν – εμψυχώνουν:

Μαρία Κατσιά, Χριστίνα Κρίθαρη, Θάνος Τριανταφύλλου, Γιάννης Τυροβολάς 

 

Υπεύθυνος επικοινωνίας: Αντώνης Κοκολάκης

 «Βάσσα-Μια μητέρα»

                         του Μαξίμ Γκόρκι

Σκηνοθεσία Λίλλυ Μελεμέ                      

 

                             Πρεμιέρα 2 Φεβρουαρίου

                          Δευτέρα και Τρίτη στις 21:00

                               Θέατρο  Arroyo

               Επιπλέον παραστάσεις λόγω επιτυχίας

                       μέχρι τις 24 Μαρτίου. 

 

«Δεν υπάρχουν θαύματα για μας. Όλα πρέπει να τα κάνουμε μόνοι μας»

Η Λίλλυ Μελεμέ σκηνοθετεί και πρωταγωνιστεί στο συγκλονιστικά επίκαιρο έργο του Μαξίμ Γκόρκι «Βάσσα- Μια μητέρα», παρουσιάζοντας μια αιχμηρή πολιτική ανάγνωση πάνω στην εξουσία, την οικογένεια και τη βία που κληροδοτείται από γενιά σε γενιά.

Η παράσταση έχει αγαπηθεί ιδιαίτερα από το κοινό και έχει αποσπάσει εξαιρετικές κριτικές. Με μεγάλη χαρά ανακοινώνουμε την παράταση των παραστάσεων για τρεις ακόμη εβδομάδες, μέχρι τις 24 Μαρτίου, κάθε Δευτέρα και Τρίτη στο Θέατρο Arroyo.

Μαζί με μια ομάδα νέων ηθοποιών, που μάλιστα έχουν υπάρξει και μαθητές της: Πολύμνια Αγγελάκη, Αγαθή Κυριαζή, Ξένια Κουτσουμπού, Λεωνίδα Λεωντιάδη, Μελίνα Ποτουρίδου, Αλέξανδρο Σάβγκα, Αλέξανδρο Σπυριδέλη, Σίμο Στυλιανού και Κατερίνα Μαρία Σαλταούρα, η σκηνοθέτρια συνθέτει έναν ασφυκτικό σκηνικό μικρόκοσμο, όπου η μητρική αγάπη μετατρέπεται σε εργαλείο ελέγχου και η επιβίωση σε ηθικό αδιέξοδο.

 Λίγα λόγια για την υπόθεση:

Το συγκλονιστικά επίκαιρο έργο του Μαξίμ Γκόρκι δεν είναι απλώς το πορτραίτο μιας ισχυρής «ατσαλένιας» γυναίκας, αλλά ένα ζωντανό πολιτικό σχόλιο για την φύση της εξουσίας, την οικογένεια ως μικρογραφία κοινωνικού συστήματος, την κληρονομιά της βίας από γενιά σε γενιά και την ηθική φθορά που γεννά η αγωνία της επιβίωσης.

Ενώ ο πατέρας πεθαίνει, η οικογένεια διαλύεται και η επιχείρηση καταρρέει, η μητέρα αναλαμβάνει τα ηνία και χρησιμοποιεί κάθε θεμιτό και αθέμιτο μέσο προκειμένου να επιβιώσει. Όντας και η ίδια θύμα της πατριαρχίας και της κοινωνικής αδικίας που τοποθετεί την γυναίκα στο περιθώριο, αρπάζει την ευκαιρία και μεταμορφώνεται σε αμείλικτο θύτη που αγωνίζεται να επιβληθεί και να εδραιώσει την εξουσία της, χρησιμοποιώντας την μητρική της ιδιότητα. Όλα γίνονται στο όνομα της αγάπης και της φροντίδας για τα παιδιά.

Μόνο που τα παιδιά, αλλά και όλοι όσοι βρίσκονται γύρω της δεν αποτελούν παρά ανελέητους καθρέφτες, παράπλευρα θύματα ή βαθιές ρωγμές της. Και ακριβώς εδώέγκειται και η τραγωδία της.

 

Σκηνοθετικό σημείωμα:

«Δεν υπάρχουν θαύματα για μας. Όλα πρέπει να τα κάνουμε μόνοι μας»

Στον βωμό της ανάγκης και με πρόσχημα την μητρική αγάπη, η Βάσσα κυβερνά το σπίτι και την επιχείρησή της με σκληρότητα και, ασυνείδητα, με σχεδόν αντιηρωική αυτοθυσία, μιας και λειτουργεί ως αναγκαίο γρανάζι ενός αμείλικτου μηχανισμού , που τρέφεται από τον φόβο, τη βία, την συνενοχή, την υποταγή. Η εξουσία για την οποία πασχίζει με νύχια και με δόντια, δεν την απελευθερώνει. Αντίθετα, την απομονώνει, την φθείρει και την παγιδεύει στον ίδιο ιστό που πλέκει για τους άλλους, βυθίζοντάς την ολοένα και περισσότερο σ΄ ένα οδυνηρό τέλμα. Κάθε πράξη, κάθε απόφασή της είναι και μια μικρή ήττα της ανθρώπινης πλευράς της.

Η Βάσσα δεν είναι απλώς μια μητέρα. Η Βάσσα είναι μια τραγικά αντιφατική φιγούρα που συντηρεί το στρεβλό, πατριαρχικό σύστημα μέσα στο οποίο γεννήθηκε και διαμορφώθηκε.

Είναι ένας φορέας εξουσίας που αποζητά την επιβίωση με κάθε κόστος , σε έναν παρηκμασμένο κόσμο όπου η ηθική θεωρείται πολυτέλεια και δεν υπάρχει ο παραμικρός χώρος για αδυναμία ή ευαισθησία. Η έννοια της μητρικής αγάπης μεταμορφώνεται σε απόλυτο εργαλείο ελέγχου, εκφοβισμού, καταπίεσης και ακρωτηριασμού της ελεύθερης βούλησης. Ο ασφυκτικός μικρόκοσμος της οικογένειας της, δεν είναι παρά η ενσάρκωση μιας κοινωνίας υπό διάλυση, που για να σταθεί όρθια θυσιάζει πρώτα την τρυφερότητα, μετά τη δικαιοσύνη και εν τέλει τα ίδια της τα παιδιά.

Λίλλυ Μελεμέ

 

Συντελεστές:

Κείμενο: Μάξιμ Γκόρκι

Μετάφραση: Αλεξανδρος Σάβγκα σε συνεργασία με τον θίασο

Σκηνοθεσία: Λίλλυ Μελεμέ

Κίνηση: Χριστίνα Βασιλοπούλου

Σκηνικός χώρος-ενδυματολογική επιμέλεια: Πάρης Λεόντιος

Σχεδιασμός φωτισμού: Κατερίνα Μαρία Σαλταούρα

Μουσική επιμέλεια: Νέστωρ Κοψιδάς

Βοηθός σκηνοθέτη: Μαρία Δράκου

Β’ βοηθός σκηνοθέτη : Αγγελίνα Μυλωνά

Φωτογραφίες-Artwork: Λίνα Οικονόμου

Τρέιλερ: Θανάσης Φουσέκης

Κατασκευή κοστουμιών : Atelier Tsiouni

Κατασκευή σκηνικού: Στέφανος Λώλος, Βαγγέλης Χλωρός

Μακιγιάζ φωτογράφισης: Olga Faleichyk

Υπεύθυνη Επικοινωνίας: Γιώτα Δημητριάδη

Παίζουν (αλφαβητικά) : Πολύμνια Αγγελάκη, Ξένια Κουτσουμπού, Αγαθή Κυριαζή,Λεωνίδας Λεοντιάδης, Λίλλυ Μελεμέ, Μελίνα Ποτουρίδου, Αλέξανδρος Σάβγκα, Κατερίνα Μαρία Σαλταούρα, Αλέξανδρος Σπυριδέλης, Σίμος Στυλιανού.

 

Πληροφορίες:

Ημέρες και ώρες: Δευτέρα και Τρίτη στις 21:00

Τιμές: 16 ευρώ (γενική είσοδος), 12 ευρώ μειωμένο (Άνω των 65, ανέργων, ΑΜΕΑ, ατέλειες)

Προπώληση: Βάσσα ~ Μια μητέρα :: TicketServices.gr

Διάρκεια: 100 λεπτά

 

Θέατρο   Arroyo

Μεγ. Αλεξάνδρου 128, Αθήνα 104 35

5’ λεπτά από το Μετρό του Κεραμεικού